Tempo e memória

Por Caroline Bacelar, Isadora Canela, Mariana Elian e Mayara Wermelinger

      A pós-modernidade, a partir de suas novidades e inovações tecnológicas, alterou a sociedade em diversos aspectos. Uma das principais modificações foi em relação à alteração das noções de tempo e espaço. Segundo o teórico cultural Stuart Hall, as novas combinações de espaço-tempo são as principais características da globalização.

Gui Tuo Bei, o Monumento

Por Pedro Lavigne

      Nas duas oportunidades em que visitei Inhotim, não pude conter a perplexidade que o monolíto do artista chinês Zhang Huan me desperta. Em ambas as visitas fiquei maravilhado com a imponência de sua escultura: Gui Tuo Bei. A obra consiste em uma coluna de pedra de aproxidamente 6 metros e meio de altura, mas em sua base vemos o rosto do próprio artista preso ao corpo de uma tartaruga. A expressão de esforço no rosto do artista é tão impactante que quase vemos a tartaruga se mexer. 

Intervencionando: a arte como meio para questionar e transformar a vida urbana cotidiana

Por Bruna Guimarães e Jéssica Miranda

           Uma das manifestações artísticas do século XXI, as intervenções artísticas nos ambientes urbanos, trouxeram novas possibilidades visuais que antes não eram exploradas ou sequer imaginadas. Esse processo se refere a uma interferência artística no espaço urbano e é voltada para uma experiência estética que procura produzir novas maneiras de perceber o cenário urbano e criar relações afetivas com a cidade.  As intervenções variam nas suas estruturas, mas pode ter um apelo reflexivo, político-social, didático, confrontador, ideológico ou simplesmente humorístico.

             Nossa intervenção aconteceu em uma manhã chuvosa de sexta-feira e o local escolhido foi a praça da Igreja Matriz, que assim como em tantos outros munícipios do interior, em Viçosa também é vista como o coração da cidade. Um grande número de pessoas circula ali todos os dias e nesta sexta encontraram algo diferente pelo caminho.

       

Das políticas às micropolíticas - Kátia Canton

Por Gabriel Novais

 

Discutimos diversos temas ao longo da disciplina de Temas de Arte Contemporânea. Durante o semestre nos perdemos e nos encontramos seguindo bem o poeta Manuel de Barros.

“Desaprender oito horas por dia ensina os princípios. 

As coisas não querem ser vistas por pessoas razóaveis.

Elas desejam ser olhadas de azul - que nem uma criança que olha a ave”

Uma Didática do Inventar

          

Qual o papel da arte? Perguntamo-nos em silêncio. Ela é pessoal? Ela é coletiva? Política? Ela simplesmente é. Kátia Canton, em sua coleção de livros à respeito da arte contemporânea, sugere que “ela provoca, instiga e estimula nossos sentidos, descondicionando-os, isto é, retirando-os de uma ordem preestabelecida e sugerindo ampliadas possibilidades de viver e de se organizar no mundo”

Das Políticas às micropolíticas, um dos volumes desta coleção, trás exatamente esta infinidade de formas de “se organizar no mundo”. Canton em uma entrevista com o jornalista político  James Spitzcoviszky expõe o cenário globalizado em que vivemos - pós-guerra fria. “Fazer política hoje já não é mais fazer política como nos anos que marcaram o século XX. As ideologias entraram em crise, os partidos entraram em crise, então agora as pessoas procuram formas alternativas de fazer política e expressar seus pontos de vista”, ressalta Spitzcoviszky. A arte é uma delas.

Rosana Paulino, artista plástica paulistana, é uma das personalidades que Canton compila neste volume. Focada no papel da mulher negra, seu desafio tem sido “pensar em minha condição no mundo por intermédio de meu trabalho. Pensar sobre as questões de ser mulher, sobre as questões da minha origem, gravadas na cor da minha pele, na forma dos meus cabelos. Gritar, mesmo que por outras bocas estampadas no tecido ou outros nomes na parede”. Para ela “a questão da individualidade é muito importante em meu trabalho, por que a política é pessoal, a arte é pessoal”.

 Eduardo Srur é quinto artista apresentado por Canton. Suas intervenções são conhecidas por aproximar a arte contemporânea do cotidiano das pessoas. A utilização de locais públicos como objeto lhe trás questões de direito. “O trabalho exige do artista velocidade mas às vezes é necessário pedir autorizações. Nesse caso atuei sem autorização, por que eu modifiquei o conteúdo dos outdoors. Eu ataquei a imagem deles, afinal, ninguém pergunta se pode pôr propaganda da sua rua, então eu da mesma forma os ataquei”, conta ele em entrevista.

O volume se encerra com o filósofo, professor e coordenador do grupo de teatro Ueinzz.Em sua fala retornamos ao inicio de nossas discussões. “Creio que poderíamos considerar a arte como ferramenta importante na fabricacao de uma multiplicidade de subjetividades, contanto que ela mantenha viva sua capacidade de afetar, que ela articule nossos pensamentos e expanda nossa potencia de criar sentidos para o mundo”, conclui ele.

A arte contempla a tudo que sente, que vibra. Desaprender, como diz Manuel de Barros, é o que ela nos propõe.

A utilização da arte para tratamentos psiquiátricos

Betânia Pontelo

O texto Manifestações artísticas: práticas e representações sobre a saúde mental no contexto da reforma psiquiátrica, de Patricia Reinheimer, trata de um assunto particularmente conhecido para mim. Sou de Barbacena-MG, a famosa “cidade dos loucos” e recebeu esse nome devido ao número de hospícios instalados na cidade e a fama que ganharam.

Sempre que me perguntam se lá é mesmo a cidade dos loucos, eu respondo que não, lá é a cidade onde cuidamos dos loucos que vem de outros lugares. O tom é de brincadeira, mas o assunto é sério, e uma das coisas que ajudou a acabar com os hospícios transformando-os em clínicas psiquiátricas, foi justamente a arte, como a autora cita no texto “o debate muda de foco e deixa de ser sobre a defesa dos mecanismos de proteção jurídica à pessoas com déficit ou perturbação, e passa a se constituir uma discussão sobre os mecanismos jurídicos que possibilitem a inclusão civil e social de pessoas com características especiais”.

Durante toda minha infância acompanhei desfiles de carnaval promovidos pelas clínicas psiquiátricas e fui percebendo a importância daquela manifestação cultural na saúde dos doentes. Como a inteiração com o ambiente externo fazia bem e, de fato, contribuía para uma melhora de comportamento e reação aos tratamentos.

Alguns anos depois, tive a oportunidade de acompanhar exposições de trabalhos manuais, artesanais e pinturas realizadas por pacientes da penitenciária psiquiátrica localizadas na cidade, e pude ver a sensibilidade e clareza com que aquelas pessoas que, muitas vezes são excluídas da sociedade, viam o mundo e a realidade ao seu redor.

A autora do artigo ainda ressalta a facilidade com que classificamos certos grupos e que muitas vezes não conseguimos retirar as opiniões preconceituosas para fazer um julgamento leal, como bem ressalta “é ‘fácil’ ser qualquer coisa, difícil é não ser enquadrado somente nas classificações genéricas, estatísticas que homogeneízam diferenças individuais”.

Além da importância social da arte nesses casos, tem também a importância pessoal, orgânica onde muita vezes aquelas pessoas que passavam o dia esperando a próxima dose do remédio se veem estimuladas e incentivadas a praticar outras atividades, a ativarem outras partes do cérebro, como a criatividade por exemplo, que há muito estava esquecida.

"Pode ser que você ainda não tenha se dado conta disso, mas o fato é que todas as coisas belas do mundo são filhas da doença. O homem cria a beleza como remédio para o seu medo de morrer. Pessoas que gozam de saúde perfeita não criam nada. Se dependesse delas, o mundo seria uma mesmice chata. Por que haveriam de criar? A criação é o fruto do sofrimento" - Rubem Alves

Land art: o que é?

Júlia Pellizzari, Pedro Cursi e Pedro Lavigne

A Land Art, também conhecida como Earth Art ou Earthwork é um tipo de arte onde o terreno natural é alterado pelo homem, tornando-se ele mesmo, a própria obra de arte. Grandes partes de terra são removidas e recolocadas em novos locais, alterando profundamente a paisagem natural.

A Land Art surgiu no final da década de 60, em parte como consequência de uma insatisfação crescente em relação a monotonia cultural, em parte como expressão de um desencanto relativo à sofisticada tecnologiada cultura industrial, bem como ao aumento do interesse às questões ligadas à ecologia. O conceito estabeleceu-se numa exposição organizada na Dwan Gallery, Nova York, em 1968, e na exposição Earth Art, promovida pela Universidade de Cornell, em 1969.

Exemplo de uma obra de Land-art

É um tipo de arte que, por suas características, não é possível expor em museus ou galerias (a não ser por meio de fotografias). Devido às muitas dificuldades de colocar-se em prática os esquemas de land art, suas obras muitas vezes não vão além do estágio de projeto. Assim, a afinidade com a arte conceitual é mais do que apenas aparente.

Dentre as obras de land art que foram efetivamente realizadas, a mais conhecida talvez seja a Plataforma Espiral (Spiral Jetty), deRobert Smithson (1970), construída no Grande Lago Salgado, em Utah, nos Estados Unidos

Lugar e não lugar

Lugar é o espaço de pertencimento, de conforto, onde há a relação de formação identitária, histórica...

O não lugar é a outra polaridade disso, onde não há relação identitária. É o espaço de passagem, virtual.

A artista Josely Carvalho se baseia nessas ideias para seu processo de criação.

Sempre viajante e morando um tempo em cada local, Josely conta, em entrevista, que "sentia que vivia em um país que não era meu, que eu não reconhecia como meu". Até que, diz ela, "me dei conta de que nenhum deles era meu e nenhum deles eu queria que fosse meu". A artista percebeu, então, que existe a possibilidade de não ter um lugar, quando se percebe que todos os lugares são de passagem.

A partir disso, ela desenvolve trabalhos relacionados a tartaruga tracajá, que carrega seu casco para onde quer que vá. O casco se relaciona à casa, ao corpo, ao lugar e não lugar simultaneamente, ao espaço, à força e à proteção.

 

Josely também desenvolve trabalhos como o Livro das Telhas -  http://bookofroofs.com - , uma instalação virtual colaborativa, que busca transformar esse espaço da telha, do abrigo, como um espaço gerador de sentido.

Público e Privado 

Para Katia Canton, a arte tem um papel muito importante em descondicionar os nossos sentidos. Atráves da arte, os significados nos são apresentados de diferentes formas, reestruturados em ordens diferentes das convencionais. Isso nos estimula a percebe-los e organiza-los, nos estimula a questionar e a construir nossa visão de mundo.

Na contemporaneidade, é muito comum o estudo e a preocupação com a relação do espaço e da vida pública com a privada. Vivemos hoje numa sociedade em que é cada vez mais tênue a a fronteira que separa essas duas esferas da vida. Por um lado vivemos num mundo globalizado onde a vida pessoal e as informações são, progressivamente, mais públicas. Por outro, com o aumento da criminalidade e da violencia urbana temos espaços que são, por sua vez, deixados de lado, causando uma diluição no sentido de espaço público.  É possível indentificar uma série de conflitos que surgem da relação do público e do privado na contemporaneidade. Como nos mostra Katia Canton, o grafite é uma forma eficiente de furar esse paradigma dos espaços públicos que se tornam “espaços de ninguém”.

A supressão das distâncias

Paul Virilio, urbanista e pensador francês, em seus estudos sobre política e velocidade, fala da poluição dromosférica. Essa poluição, segundo ele, é causada pela amplificação da eletro-ótica e acústica ao longo do nosso dia-a-dia, o que torna tudo mais rápido por achatar o espaço em que as experiências acontecem.

Com o achatamento do espaço, a experiência do deslocamento, do percurso, dos lugares por onde passamos também é diminuída. Com isso, diminui-se a percepção subjetiva... que diminui a sensibilidade, a arte, o cuidado. E assim aumenta a ideia de produtividade, do racional acima de todo o resto.

A artista Brígida Baltar tenta enxergar o lugar no não lugar, lançando um olhar afetivo e sensível sobre as coisas. Em um de seus trabalhos, ela condensa e coleta coisas “incoletáveis” como neblina, orvalho, maresia e os guarda em receptáculos. O objetivo da obra é alargar o tempo da memória, tão diminuído na contemporaneidade.

Segundo a artista, o trabalho é mais existencial do que estético e, com isso, ela busca a contemplação da subjetividade.

A conhecimento de ambiental nas artes

Michael Maia

Conceito de arte ambiental segundo o crítico Harold Rosenberg é quando “todos tipos de estímulos e de forças induzidas mecanicamente influem sobre o espectador, fazendo dele não mais um espectador, mas, por vontade ou por força, um participante e às vezes um criador.”.  

Esse termo entrou para o mundo das artes no século XIX, podendo hoje designar a várias obras e também movimentos diversificados. São obras que extrapolam as suas linguagens, podendo utilizar da música, escultura, pintura, literatura etc. O espaço da galeria muitas vezes é pequeno para uma obra deste conceito, por isso muitas vezes ela se instala e dali não sairá, devido ao grande tamanho e material pesado utilizado. Como na imagem, da estrutura de Vladimir Tatlin.

Percebe-se nos anos 60 que o movimento de ambiental, significava uma fuga dos museus “caixas fortes” e arriscar o artista a pensar em novos lugares, e confrontar o espectador com novas obras. Três grandes nomes se destacam no conceito, Beuys, Oticica e Smithsom.

Pode se afirmar que os três artistas possuem obras que são além do “particular”, não como objetos autônomos mas as esculturas consideradas como lugares. Como no caso da obra de Helio Oticica:

As grandes mulheres que (não) fizeram história na arte brasileira

                                                                                                                                     Thalita Fernandes

Em meio a tantas lutas e manifestações feministas em busca pela igualdade de gênero, vemos ainda, dois extremos: a desvalorização da mulher, sendo subjugada, tratada como inferior; e a busca por reconhecimento que por vezes se mostra exagerada, afetando até mesmo sua visão de conduta.

Eu acho que cada um tem que ser um pouco feminista. Não saindo pela rua com os seios a mostra em manifestações, mas buscando suas conquistas na sociedade através da imposição por respeito, pela mostra de valores e principalmente pelo trabalho.

Bom, tratando desse aspecto, o texto de hoje é “Os gêneros da arte: mulheres escultoras na belle époque brasileira” da autora Ana Paula Simioni. A escolha do texto se deu pela recorrência do tema. Ainda lutamos por reconhecimento do trabalho feminino, mas essa busca pela conquista de um espaço começou há tempos.

Dois nomes são muito citados ao longo do artigo: Julieta de França e Nicolina Vaz de Assis. O motivo? Mulheres com um pensamento muito a frente de seu tempo, capazes de destacar-se em meio aos homens pela capacidade e dedicação pela arte no Brasil em pleno século XIX. Infelizmente nenhum dos dois nomes é tão conhecido hoje em dia. Se você digitar “Julieta de França” no Google, não encontrará quase nada. Mesmo assim, vale a pena pesquisar mais um pouquinho e saber a fundo sobre essas duas mulheres que foram as percussoras nas artes plásticas e no meio acadêmico brasileiro.

Ambas foram mulheres que enfrentaram os preconceitos na academia e se matricularam nas disciplinas de artes plásticas para fazer disso sua profissão – o que até então era considerado passatempo para as mulheres. Mesmo com o título de “amadoras” conseguiram sair do Brasil e ficaram cerca de cinco anos estudando na Académie Julian, França. Nicolina foi financiada por seu marido e Julieta conseguiu uma bolsa de estudos pela Enba, onde estudava.

Voltaram para o Brasil em busca de fazer história, mas isso não aconteceu. Em uma disputa pela melhor maquete homenageando a República brasileira, Julieta não obteve sucesso, e não satisfeita com o resultado, reivindicou seus direitos, contrapondo a sociedade machista da época. Infelizmente Julieta bateu de frente com o diretor Rodolfo Bernardelli que controlava quase todas as transações do ramo artístico na época e isso desencadeou o fim das obras e sucesso de uma grande escultora brasileira.

Nicolina foi um pouco mais cautelosa e obteve mais sucesso. Em meio a tantos homens, se destacou por sua sensibilidade, não contrapôs ninguém e seguiu com seu trabalho, mostrando sua força. Hoje tem como grande obra a Fonte Monumental, situada na Praça Júlia Mesquita em São Paulo.

Esse é o exemplo de duas mulheres que batalharam seu espaço e merecem ser lembradas. Além disso, servem de inspiração para nós, mulheres que vivem em uma sociedade contemporânea, com tecnologia do século XXI e cabeça do século XIX.

Galeria Adriana Varejão em Inhotim

Isadora Canela

Na entrada, um convite: permita-se ir além da sanidade. Nada de assustador ou distante como dizem os jornais e conservadores puritanos, apenas a natureza, farta, bela e simples retratada em um singelo banco, branco, com traços leves. Envolto do azul turquesa da água e em contraste com o brilho dourado da vida, o convite, tão charmoso e instigante, torna-se, então, irrecusável. Adentro aos caminhos propostos a espera de delicadeza, encontro realidade. Nossos corpos, nossos órgãos e nossos sonhos, limitados e sufocados dentro do concreto, cinza, cruel e feio, construído pelo homem que estupidamente aprisiona a si próprio. O contraste é, no mínimo, interessante. A natureza alucinante, leve, singela, para a qual os homens levantam tantas armas, enquanto o concreto, tão aceito, tão comum, prende friamente nossos tripas, sangue e coração.

            Os caminhos se seguem, agora, sem delicadeza, busco questionamentos. No topo da escada pequeno caos, aos poucos os olhos se acostumam e entendem. Na sala o que se fala é tradição. Obra consagrada, é movida, como um quebra-cabeça desordenado. Afinal, que ordem é essa? Se o concreto prende, a tradição, quando inflexível, acomoda. Mas se tudo é mutável, liberdade!

            Os olhos e o coração se perdem na paisagem. O fim do caminho é aberto, incrivelmente belo. Uma temperatura da cor de primavera, com frágeis nuances entre azul e amarelo e pássaros. Pássaros de todas as cores, tantos amores, distâncias e tamanhos, pintados em bancos que pedem um segundo de paz. 

Em minha subjetividade encontro a arte que abre os olhos e encanta e liberta e ama.

Do Moderno ao Contemporâneo (Kátia Kanton)

Ana Cláudia Richardelli

Bruna Guimarães

Rita de Cássia Lellis

O SURGIMENTO

A Arte Moderna toma corpo principalmente com as grandes transformações trazidas pela Revolução Industrial no século XIX.

O francês Charles Baudelaire traduziu em suas poesias esse processo de urbanização das cidades e a mudança em suas visualidades. Criou o termo flâneur para se referir a quem transitava sem rumo e percebia as entranhas, os detalhes da cidade moderna.

Com a industrialização surge a burguesia, classe social que necessitava de uma nova forma de arte para se legitimar culturalmente. A partir daí a arte acadêmica, moldada, passa a dar lugar a propostas construídas por artistas que surgem em movimentos e contextos singulares, que os críticos sistematizaram como “ismos”.  Nascem assim, correntes como impressionismo, pós-impressionismo, expressionismo, fauvismo, cubismo, futurismo, surrealismo.

Surrealismo. Presença de elementos surreais, baseados na fantasia, no inconsciente. Muitas vezes possui ilusões óticas. Salvador Dali é um grande nome desse movimento.

 Fauvismo. Apesar do grande uso de cores intensas, busca de estabelecer harmonia, tranquilidade, pureza e equilíbrio nas obras de arte. Henri Matisse é um importante artista desse movimento.

Expressionismo. Forma de expressar sentimentos humanos e emoções intensas  como medo, angústia, dor, etc. Pinturas de caráter dramático e subjetivo.

Vincent Van Gogh foi o principal precursor. Outro importante pintor expressionista foi Edvard Munch, autor da conhecida obra O Grito (imagem acima).

O DESEJO PELO NOVO

O desejo pelo novo, pelo diferente foi o grande propulsor da Arte Moderna. Independente da singularidade de cada movimento, todos os artistas tinham suas aspirações de artes ligadas a noção do novo e de ruptura com aquilo que já havia de existente. O desejo era fazer uma arte contestadora, inovadora, que refletisse o tempo dos artistas.

Importância da fotografia

Inventada em 1820 e aprimorada em 1839, a fotografia teve impacto enorme sobre a arte no século XIX. Ela cumpriria o papel de registrar pessoas, paisagens e fotos históricos, função que até o momento cabia aos artistas. Com isso, eles passaram a ter mais liberdade para criar e realizar novas pesquisas e experimentos sobre a arte.

Para um melhor entendimento da arte é importante aliar a sensibilidade pessoal do observador a uma compreensão dos processos internos que mobilizam o artista como dos processos sócio-históricos que dão origem a sua obra.

Impressionistas abandonam lições acadêmicas e passam a pintar ao ar livre, buscando captar suas impressões das cenas cotidianas.

Cézanne, principal nome do pós-impressionismo, passa a explorar os objetos, principalmente frutas, sob a perspectiva de formas geométricas.

Já o futurismo italiano traduz um encantamento com o ritmo urbano das cidades e da crescente industrialização. Pinturas e esculturas expressam ação, movimento.  

O IMPACTO EXPRESSIONISTA

Desde o fim do século 19, houve a tendência da criação de pinturas que viriam a abandonar de maneira drástica e significativa a imagem realista. Nessa tendência, os artistas buscavam a essência da vida espiritual e sentimental, a qual sobressaiam sentimentos como o medo, solidão e o horror, bem como retratação de doenças e da morte.

O símbolo dessa corrente foi o artista Edward Munch, que retratava em suas obras suas contradições internas e tragédias pessoais, por meio da intensidade das cores escolhidas, as formas distorcidas e efeitos emocionais.

Durante esse período, na França, uma efervescência de manifestações artísticas que eram marcadas pela busca pelo inédito e pela forte exploração de cores e formas. Denominados como Fauves,  esse grupo tinha como desejo se desfazer de tudo o que é extra na representação de uma imagem.

MODERNISMO NO BRASIL

O modernismo no Brasil foi marcadamente influenciado pelos movimentos europeus. Os artistas brasileiros viajantes trouxeram da Europa e dos Estados Unidos os desenvolvimentos estéticos propostos pela vanguarda.

A polêmica exposição de Anita Malfatti em 1927 impulsionou este movimento. Ela exibiu em São Paulo algumas obras que criou após ter passado uma temporada em Berlim e Nova York. Com suas cores fortes e linhas tortuosas causou a ira de críticos como Monteiro Lobato. Essa exposição serviu como estopim, um incentivo para que seus amigos e colegas que também buscavam inovações artísticas, concebessem a conhecida Semana de Arte Moderna de 1922.

Torso, uma das obras expostas por Anita Malfatti.

Para a Semana de 22, alguns jovens artistas de São Paulo juntaram forças, entre eles, Di Cavalcanti, Victor Brecheret, Vicente do Rego Monteiro e Oswaldo Goeldi. Foi Di Cavalcanti quem teve a ideia inicial e contou com a ajuda de seus amigos escritores, Osvald de Andrade, Mario de Andrade e Graça Aranha para planejar a semana de arte.

Em 11 de fevereiro de 1922, os artistas organizaram no Teatro Municipal de São Paulo um evento que incluía uma exposição de arte, além de três noites com concertos, leituras de poemas e debates.

Essses artistas que renovaram a linguagem artística no Brasil haviam passado uma temporada na Europa e visto de perto as novas experiências artísticas de lá. O que os unia era a vontade de criar um modo de pintar e esculpir que se libertasse da maneira realista e clássica ensinada na Escola de Belas-Artes e que explorasse ingredientes brasileiros: com cores, luminosidade, paisagens e personagens do país. Cada um deles fez isso a sua maneira.

Legenda: Catalogo e cartaz da Semana de 22, feitos por Di Cavalcanti.

CONSTRUTIVISMO RUSSO

Ganhou destaque com a Revolução Russa em 1917. Esse movimento explorava um modo de representação geométrica com formas simplificadas e seriadas que retratavam o ser humano vivendo em um mundo industrial veloz e eficiente.

Foi um movimento importantíssimo para as artes das primeiras décadas do século XX, mas sua capacidade de criar uma nova linguagem estética e de influenciar o resto do mundo. Só floresceu com maior força depois do fim do governo de Stálin, que permitia somente a arte convencional, realista, que ficou conhecida como realismo soviético.

Um destaque do construtivismo russo

Kasimir Malevich é um nome importante desse movimento. Estudou em busca de tornar seus quadros cada vez mais simples em cores e formas, com apenas algumas tonalidades e contornos geométricos.

Criou o termo suprematismo para se referir a uma realidade que está além do que vemos.  Buscou em suas pinturas a não objetividade, um mundo livre da representação de coisas e objetos reais.

O quadro não é mais um objeto e sim uma ideia abstrata, estabelece ligação direta entre o mundo exterior (material) e o mundo interior (intelectual).

                                            
                                               uso de poucas cores e formas geométricas

Obra mais famosa de Malevich, “Quadro Negro” causou polêmicas por tamanha “simplicidade”. Objetivo de fazer uma arte abstrata, não objetiva, permite várias interpretações de quem o vê.

ABSTRATOS E NEOCONCRETOS NO BRASIL

Estes movimentos surgiram no período pós-Segunda Guerra Mundial, identificado pelo otimismo e por uma euforia gerada pela volta á paz e tornou-se um grande marco no Brasil. A necessidade de reconstruir uma Europa destruída equivalia a necessidade de construir um novo Brasil. O pais passava por um período de grandes promessas de desenvolvimento, com JK e seus “50 anos em 5”.

A arte abstrata irradia a nova realidade e começa a ganhar terreno como promessa de nova visualidade para um novo país. Com um esforço de uma elite formada principalmente pelos empresários exportadores de café, são criados novos museus que fomentaram o desenvolvimento dessa arte.

Já o concretismo na arte é a promessa de construção do novo, pois prega uma arte democrática, acessível a todos, em sua simplicidade e objetividade. Prega uma linguagem universal, livre de contextos específicos e do excesso de subjetividade e emotividade. Buscam uma arte que substitui a expressão emocional pela noção de pensamento e construção mental.

Grupo Ruptura

Em 1952, alguns paulistas fundam o grupo ruptura, que era centrado em torno do artista e teórico Waldemar Cordeiro, que promovia encontros para discutir os ensinamentos de mestres como Kandinsky e Mondrian. Assim que é fundado, eles lançam um Manifesto que rompe com a figuração e o naturalismo, considerando-os uma “arte antiga para uma realidade antiga”.

Manifesto do Grupo Ruptura

Grupo Frente

Dois anos depois, em 1954, surge no Rio de Janeiro o Grupo Frente, um novo grupo de arte construtiva, fundado por Lygia Clark, Lygia Pape e Ivan Serpa. Outros integrantes importante foram Helio Oiticica, Abraham Palatnik, Franz Weissmann, Cesar Oiticica, Elisa Martins da Silveira, Emil Baruch e Rubem Ludolf.

Este grupo reformulou as ideias lançadas pelo Ruptura, levando-as a outros limites. Eles criticavam o excesso de racionalismo teórico dos paulistas, e consideravam que a abstração geométrica podia ter alma e corpo. Um dos fenômenos mais importantes do neoconcretismo lançado pelo Frente foi a adesão de escritores, autores da nova poesia neoconcreta.

Lygia Clark e Hélio Oiticica vieram a se destacar nos anos seguintes ao substituir a preocupação com os limites da arte neoconcreta pelas questões da arte com o corpo como algo vivo, integrado ás experiências dos sentidos.

 Grande Núcleo (1960-1966), Hélio Oiticica.

SURREALISMO E INCONSCIENTE

Surrealismo foi marcado pelo desprezo aos limites da razão no processo de criação artística. O embasamento dessa corrente se deu nas teorias de Freud, que afirmava ser o inconsciente também responsável pelo comportamento e personalidade do ser.

Em 1924, os artistas divulgaram o Manifesto Surrealista, que explanava o interesse dessa corrente, evidenciado na busca pela liberdade de imaginação, tanto na literatura quando nas artes visuais por meio da retratação de sonhos, símbolos e associações do acaso em suas obras.

ENTRA EM CENA A ARTE CONTEMPORÂNEA

A Arte Moderna começa a sofrer um desgaste devido a sua característica de experimentação, e a partir daí, tem-se um processo de distanciamento do público. É nesse contexto que surge a Arte Contemporânea, que se consolidaria a partir da relação entre a arte e vida.

Lygia Pape: Escultora, gravadora e cineasta.

     

Fez parte do Grupo Frente, é uma das criadoras do Manifesto Neoconcreto. Escreveu a trilogia de obras: Livro da Criação, Livro da Arquitetura e Livro do Tempo, na década de 50. Na seguinte, trabalha com roteiro, montagem e direção cinematográficos ao mesmo tempo em que dá início a produção de esculturas em madeira e também dá vida ao Livro-Poema, composto de xilogravuras e claro, poemas.

Em 1971, produz o curta-metragem O Guarda-Chuva Vermelho, sobre o desenhista Oswaldo Goeldi. Na década posterior, é congratulada com uma bolsa de estudo da Fundação Guggenheim.

Ttéias1C

                     

Ttéia1C (2002), nome escolhido em função de fazer alusão a uma teia, é uma obra que simboliza a última etapa da carreira de Lygia Pape e sintetiza as indagações sustentadas durante a carreira dessa artista que é um dos mais significantes nomes da arte nacional a partir da segunda metade do século XX.

Ttéia é o resultado final quando se soma todas as fases da trajetória de Lygia. Desde a primeira, em 1977, com seus alunos da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, em que propunha a manutenção de fios esticados tendo a natureza como espaço. A segunda, que a artista espalhava panos e malhas por toda a cidade, incluindo prédios e casas. Somente no final da década de 90 é que a obra começou a tomar corpo com o que representa hoje: grandes instalações com fios metalizados ligando elementos da arquitetura, e que em Inhotim, une o teto ao piso.

Pape é reconhecida pela uma grande criatividade que desponta em seus trabalhos ao mesmo tempo em que une elementos como ‘’sensibilidade e humor’’. As obras de Lygia, em sua maioria, foram criadas para despertar no público as mais diversas reações, o que exige um tempo maior de apreciação. Dessa forma, não foram desenvolvidos para serem consumidos com urgência, mas sim com percepções e paciência.

Linda do Rosário – Obra de Adriana Varejão exposta no Centro de Arte Contemporânea Inhotim

                                                                                             Por Ana Luisa Costa 

Adriana Varejão é um dos maiores nomes da arte plástica brasileira contemporânea.

Para os trabalhos tridimensionais, que são fragmentos de arquiteturas, ela partia muitas vezes de fotografias que tirava em canteiros de demolições onde encontrava destroços de paredes ainda cobertas de azulejos. 

 Em 2002, enquanto preparava uma de suas exposições, ela soube pelos jornais que um prédio desabara no centro do Rio. Era um hotel de encontros chamado Linda do Rosário.

Sob os escombros, encontraram 2 dias depois um casal de amantes. De suas ruínas, Adriana tirou o modelo para as obras Linda do Rosário e Linda da Lapa.

O incidente no Hotel Linda do Rosário

“Linda do Rosário” era um prédio de cinco andares, localizado na Rua do Rosário, que caiu na tarde do dia 25 de setembro de 2002. Nesse caso, a tragédia só não foi maior porque foram ouvidos estalos na estrutura cerca de 20 minutos antes do desabamento, possibilitando que os hóspedes e empregados do hotel Linda do Rosário, que funcionava no local, fugissem a tempo. Tudo isso aconteceu devido a uma reforma mal executada em um restaurante no térreo, que abalou a estrutura do prédio, construído há quatro décadas.

No entanto, nem todos escaparam a tempo.

O porteiro do Linda Rosário estava com a mulher na recepção do hotel e, ao som do primeiro estampido, avisou aos demais funcionários que saíssem do prédio imediatamente. No momento em que descia a escada, lembrou das duas pessoas que ocupavam um quarto. ‘Interfonei e cheguei a bater na porta, mas não responderam’, contou.

 Dois dias depois, os bombeiros encontraram dois corpos em meio aos escombros. Ele, professor, tinha 71 anos. Ela, bancária, tinha 47. Seus corpos foram reconhecidos por suas respectivas famílias no dia seguinte.

O filho do professor não quis que o nome do seu pai fosse divulgado, segundo matéria do Terra, “em virtude das circunstâncias que envolveram sua morte, que poderiam denegrir sua imagem”. Uma reportagem publicada no jornal O Dia revelou o motivo desse pedido: a bancária e o professor estariam vivendo um romance secreto, de anos, que acabou sendo revelado por causa do desabamento do hotel Linda do Rosário. Seus corpos foram encontrados nus e abraçados sobre os restos de uma cama. Há quem diga que eles dormiam, ou que talvez decidiram permanecer unidos, sem fugir, cansados de se esconderem.

 Características das obras de Adriana Varejão

 Adriana utiliza a pintura como suporte para a ficção histórica e a exploração de temas como a teatralidade, o desejo e os artifícios presentes no barroco. Em suas obras tridimensionais, rupturas na tela apresentam um interior visceral sangrento, formado de elementos escultóricos ou arquitetônicos. Nos trabalhos recentes, a artista desenvolve ambientes virtuais geometrizados que remetem a açougues, botequins, saunas, piscinas e banheiros, em que retoma questões intrínsecas à pintura como profundidade, espaço e cor. Através da releitura de elementos visuais incorporados à cultura brasileira pela colonização, como a pintura de azulejos portugueses, ou a referência à crueza e agressividade da matéria nos trabalhos com “carne”, a artista discute relações paradoxais entre sensualidade e dor, violência e exuberância. 

No seu trabalho, difícil de classificar disciplinarmente, a carne, o sangue e, sobretudo a pele enquanto lugar que une ou divide interior e exterior, revelado e oculto, ganham com freqüência uma condição metafórica ou transformam-se em imagem forte de uma cultura que traz a violência e o sacrifício inscritos na matriz.

Talvez por isso, o seu horizonte estético seja o de uma beleza sanguínea, capaz de sobrepor erotismo, sublime e morte que, em vez de se apresentarem como elementos contraditórios, se tornam interdependentes.

“Visceral” é um adjetivo que costuma ser empregado para se falar de obras de arte que afetam a nossa sensibilidade de forma vigorosa e impactante. No caso de Adriana Varejão, a palavra ganha também um sentido literal: carne, vísceras e sangue são elementos recorrentes em sua produção, atravessada por questões sobre o corpo, a representação e a História.

Segundo Adriana, a idéia de carne, vísceras e sangue, que se tornaram vocábulos recorrentes em sua obra, surgiram a partir do uso de grande quantidade de tinta sobre a tela que foi naturalmente se tornando um corpo denso e espesso. A partir daí, Adriana passou a explicitar o sentido de corpo, fazendo incisuras e expondo interioridades, tratando a camada externa como pele. Ela pensa sempre em uma historia inscrita sobre um corpo, com diversas camadas dobradas, comprimidas, e muito acúmulo. “Quando vejo uma tela vazia imagino-a tão cheia a ponto de transbordar”.

Exposição Azulejão e Charques 

Realizada no Banco do Brasil de Brasília

Nessa exposição vemos os principais traços das obras de Adriana: Azulejaria mesclada a pedaços de carne e corpos.

"Varal"

                                                       “Pele tatuada à moda de azulejaria”

                                                                                “Heróis”

                                                            “Azulejaria em Carne Viva”

                                                   “América”